„Ich will nie gewöhnlich aussehen“, sagte Leigh Bowery 1985 dem Magazin i-D. Die neue Ausstellung im Tate Modern über sein Leben und Werk beweist, dass er erfolgreich war – und dann einige. Als schwuler Ikone in der Londoner Clubkultur der 1980er und 90er Jahre war Bowery von Anfang an ein Modedesigner, Performancekünstler und ein absoluter Original. Die Ausstellung verfolgt ihn von seiner Ankunft in London aus Australien im Alter von 19 Jahren über die Gründung seines berüchtigten Clubs Taboo, seine Etablierung als avantgardistischer Modevisionär bis hin zu seinem Aufstieg zu größerer Berühmtheit und seiner späteren Erforschung von grafischen Variationen der Performancekunst. Im Verlauf der Ausstellung wird es dunkler und folgt Bowerys Weg zum Körperhorror und zum Grotesken. Ein Großteil der gezeigten Werke stammt nicht von Bowery selbst, sondern zeigt ihn in seiner Rolle als Muse (um einen beladenen, aber passenden Begriff zu verwenden) unter Mitclubgängern und anderen Künstlern, von Underground-Figuren bis hin zu Lucian Freud.
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„Du wärst nicht an mir interessiert, wenn ich nicht so aussehen würde“, sagte Bowery einmal. „Mal ehrlich, niemand wäre es.“ Diese Aussage bringt sein eigenes schwieriges Selbstwertgefühl sowie die Art und Weise, wie er andere beurteilte, auf den Punkt. Die ersten Räume der Ausstellung konzentrieren sich auf Taboo, der während seines Betriebs von 1985 bis 1986 vor einer Drogenrazzia der Polizei bekannt war für seine Akzeptanz sexueller Freiheit und kreatives Risiko. Prominente wie Boy George, George Michael und John Galliano besuchten ihn regelmäßig und erlangten ebenfalls Berühmtheit durch die Ablehnung von Personen, die nicht entsprechend extravagant in Bezug auf Stil und Verhalten waren. Bowery war rücksichtslos darin, die Welt zu gestalten, die er sowohl innerhalb als auch außerhalb des Clubs wollte, um sicherzustellen, dass er von Menschen umgeben war, die sein Engagement für das Überschreiten von Grenzen teilten oder zumindest respektierten. Die Galeriewände des Tate sind mit Schnappschüssen und Polaroids aus Taboo tapeziert, die die schmutzige, authentische Fülle seines Hedonismus heraufbeschwören.
Bowerys Modekreationen, die er zunächst für sich selbst zum Clubbing und später auch für Tänzer in Balletten des Choreografen Michael Clark entwarf, sind absolut wild. Zwischen den ausgestellten Kleidungsstücken in den Galerien und den vielen Fotos und Videos von ihnen in Aktion erhalten wir ein umfassendes Gefühl für seine skurrile Design-Sensibilität. Viele Outfits haben kugelförmige Silhouetten, die an Marie Antoinette erinnern, während andere Balaclavas tragen. Andere wiederum umfassen Ballettröcke, die die Hintern ihrer Trägerinnen unbedeckt lassen. Bowery war auch besessen von Polka Dots, die er mit Anzeichen von Krankheit verband: Pickel, Herpesgeschwüre und andere Arten von Pocken, die er manchmal in seinem Gesicht umkreiste, wenn sie natürlich vorkamen, oder aufzeichnete, wenn sie es nicht waren.
Blick auf „Leigh Bowery!“, 2025, im Tate Modern.
Foto Larina Annora Fernandes/Courtesy Tate, London
Es gibt Aspekte an Bowery, die für Betrachter und Kuratoren im Jahr 2025 besonders herausfordernd sind. Zum Beispiel weist ein Wandtext darauf hin, dass Bowery in den 1990er Jahren in Blackface und als Nazi auftrat, mit Hakenkreuzen bekleidet. Beides wird nirgendwo in der Ausstellung abgebildet, aber der Text bezeichnet solche Gesten als „beleidigend“. Es gibt auch Bilder von Live-Performances, bei denen Bowery das Publikum mit Einlaufflüssigkeit aus seinem Anus besprühte, was nur eine von mehreren Flüssigkeiten war, die er auf der Bühne produzierte. Der Schockwert war eines seiner Hauptziele.
Die zweite Hälfte der Ausstellung konzentriert sich hauptsächlich auf Bowerys Performancekunst, die gegen Ende seines Lebens im Jahr 1996 immer extremer wurde. Seine ikonischste Performance, die viele Male präsentiert wurde, war seine „Geburt“ -Aufführung, bei der er auf der Bühne seine Kollaborateurin Nicola Rainbird gebären ließ, die seine Frau werden würde. Sie begann die Performance kopfüber an seiner Brust gefesselt, tauchte dann in einer blutigen Show auf, beide schrien und waren mit Bühnenblut bedeckt. Bowery integrierte auch Körperhorror in andere Performances, darunter das Festnadeln seines Mundes, das Schneiden mit Glas und das Schädigen sich auf verschiedene andere Weisen.
Eines von Leigh Bowerys Kostümen, 1988.
©Tate Photography/Courtesy Leigh Bowery Estate
Die philosophisch transgressive Natur von Bowerys Welt beruhte teilweise auf seiner Erkundung der Idee der Nutzlosigkeit. Angesichts des gnadenlosen Kapitalismus der 80er und 90er Jahre, was bedeutete es, sich zu weigern, am Streben nach Reichtum und Achtbarkeit teilzunehmen? Bowerys Leben drehte sich stattdessen um das Streben nach verschiedenen Höhepunkten – viele davon durch Drogen verursacht, aber auch im Zusammenhang mit den Ekstasen der Performance, Gemeinschaft, Tanz, Musik und ungebundener Kreativität.
In einer Einführung bei der Pressevorschau der Ausstellung sagte einer der Kuratoren, Fiontán Moran, dass Bowerys Arbeit die Frage stellte, „wie Nutzlosigkeit eine produktive Position sein könnte“. Aber die Natur der Nutzlosigkeit und die Qualität, die ihre Feier transgressiv macht, ist, dass sie nicht produktiv ist. Das führt zu einer Art Dilemma: Die Institutionalisierung von Bowerys Arbeit, die im Kern antieinrichtung ist, fühlt sich in vielerlei Hinsicht konträr zu ihrer Ethik an. Es ist natürlich ein Teufelskreis, denn die Alternative wäre, dass Kunst wie diese niemals den Weg zu einem breiteren Publikum findet. Aber der Unterschied zwischen den Werken in dieser Ausstellung – die zum großen Teil in besetzten Gemeinschaften und Untergrundclubs konzipiert wurden – und den robusten Säulen der Tate-Institution ist irritierend. Es wirft wichtige Fragen zur Entwicklung des Museumsraums und zu sich verändernden Definitionen von „Kunst“ auf.
Fergus Greer: Leigh Bowery, Session 7, Look 37, 1994.
©Fergus Greer/Courtesy Michael Hoppen Gallery, London
In einem für die BBC gedrehten Video präsentierte Bowery eine Reihe von schrillen Outfits seiner eigenen Gestaltung, während er in den vornehmsten Londoner Kaufhäusern einkaufte und Tee trank, darunter auch Harrods. Sein Charme ist überwältigend, sobald er vor die Kamera tritt, und ich verstand sofort, wie er während seines Lebens so viele Menschen faszinierte. Er erinnerte mich irgendwie an Prinzessin Diana, und tatsächlich ist der Vergleich gar nicht so abwegig. Beide waren Ikonen der 80er Jahre, beide hatten Persönlichkeiten, die unbeschreiblich magnetisch waren, und beide hatten mit schmerzhaften Lebensumständen zu kämpfen, die außerhalb ihrer Kontrolle lagen – für Diana die königliche Familie und die Auswirkungen ihres begleitenden Zirkus; für Bowery die Kriminalisierung seiner sexuellen Identität und sein späterer Tod (1994) an einer AIDS-bedingten Krankheit.
Oberflächlich betrachtet war Bowerys Clubkultur und die psychedelische Frivolität seiner sogenannten Nutzlosigkeit eine Suche nach Vergnügen. Aber Schmerz liegt diesem ganzen Show zugrunde. Dunkelheit überschattete Bowerys Leben, sowohl auf als auch hinter der sprichwörtlichen Leinwand, dem Bildschirm und der Bühne. Auf komplexe und widersprüchliche Weise zeigt die Ausstellung, wie energisch er mit den Dämonen tanzte, die ihn quälten, von seinen frühen Tagen in pickelinspirierten Polka-Dots bis zu späteren, in denen er immer wieder blutige Geburten vollzog, in der Hoffnung, eine neue Welt zu gebären.